Daniel Aeschbacher

Swiss Artist, Designer and Environmental Manager

ARTIST STATEMENT

Artistic premise

In my paintings I explore relationships between different ecosystems, human experience, and memories. I investigate how places, encounters and the passage of time transform into colour, texture and spatial relationships into abstractions. My artistic thinking and practice are rooted in decades of interdisciplinary practice in architecture and industrial design.  Painting unfolds as a process - layer after layer - through experimentation and continuous dialogue between conceptual structure, intuition and discovery.

Max Bill

From an early age, I was fascinated by colour, architecture and the abstract language of the Swiss artistic group of artists known as the Zürcher Konkrete. The movement shaped Swiss modernism, influencing art, graphic design, typography, architecture and industrial design. Max Bill was its most prominent representative, and I felt strongly attracted by his colorful paintings . After presenting some of my artistic concepts and an exciting conversation with Max Bill he hired me. Working in Bill's atelier became one of the defining experiences of my artistic development. The daily contact with Bills art deepened my sense to work with colors but also the wish to explore my personal, intuitive artistic expression. Outside the atelier I continued to experiment independently, searching for a more intuitive visual language. In Bill's rich library I discovered industrial design.

Painting as inquiry

Painting allows me to investigate questions that architecture and design alone cannot answer. While architecture seeks structure and design often seeks function, painting offers a space  where intuition, ambiguity and imagination coexist. My works do not represent places or events in a literal sense. Rather, they explore how experiences become internal landscapes—fragmented, layered and continuously reshaped by time. Architecture remains present through an underlying concern for spatial relationships, balance and structure, while industrial design contributes a systemic way of thinking. Yet intuition deliberately interrupts both disciplines. The dialogue between control and spontaneity has become central to my artistic practice.

Process

Working primarily through abstraction, I build surfaces that evolve through successive layers of colour, texture and gesture. Elements are repeatedly added, covered, modified and partially revealed. This process reflects the way memory itself operates—not as a fixed archive but as a living, changing construction. Each painting retains traces of decisions, revisions and earlier states, allowing time itself to become an active material within the work. Colour is never merely descriptive in my work. It functions as an emotional and spatial force, shaping atmosphere, tension and resonance while guiding the viewer through layered fields of perception.

Ettore Sottsass

My later collaboration with Ettore Sottsass fundamentally widened this perspective. He challenged the modernist separation between applied and fine art and encouraged me to move beyond purely rational processes. Our conversations taught me that creative practice extends far beyond objects, architecture or design, engaging with culture, history, relationships and society. His insistence on emotional expression strengthened my willingness to question established methods and to allow uncertainty, contradiction and cultural difference to enter my work. Curiosity remains the driving force behind my artistic practice. Every new discipline, culture and encounter has expanded my understanding of perception, creativity and the human condition. Painting has become the place where these diverse experiences converge.

Sources of inspiration

Observation remains an essential source of my work. Walking through forests, vineyards, hills, mountains, cities and suburban neighborhoods, I collect visual and emotional impressions rather than literal motifs. Changes of light weathered surfaces, spatial rhythms, geological formations and traces of human intervention become part of an evolving visual memory. In the studio, these observations are transformed into colours, textures, fragments and spatial relationships that hover between landscape, memory and imagination.

Recurring themes

The different series are not isolated projects but interconnected explorations of recurring themes. The series Traces reflects the physical and emotional marks left by human presence. Recollection, Reminiscence and Evanescence investigate the fragility of memory and the transient nature of experience. Regeneration examines renewal after disruption, while Urban Journey, Perspective and Trajectory explore movement through both physical and psychological space. Although each series develops its own visual language, they all address the continuous transformation of individuals, societies and landscapes.

Teaching

More than two decades of teaching also became part of my artistic inquiry. Encouraging students of different ages to observe closely, think critically and persist through uncertainty required me to question my own assumptions. The classroom became a laboratory for understanding perception, human relationships and the ways individuals construct meaning. These encounters informed series such as Rencontres, In Motion, Evanescence, Reminiscence and Regeneration.

Sustainability and social transition

My engagement with sustainability and social transition has broadened my understanding of painting beyond aesthetics. The ecological and social transformations shaping contemporary society increasingly inform my work—not through illustration or activism, but through reflection on interconnected systems, resilience and change. The paintings seek to reveal relationships rather than provide answers.

The Viewer

I do not intend the paintings to communicate a single fixed narrative. Their ambiguous spaces invite viewers to enter with their own memories, associations and emotional experiences. What may appear to one person as an aerial landscape, an urban fragment or a weather system may become for another a psychological territory. Meaning emerges through the encounter between the painting and the viewer, where individual memories intersect with shared human experience.

DEUTSCH:

Künstlerische Ausgangslage

In meinen Gemälden erforsche ich Beziehungen zwischen unterschiedlichen Ökosystemen, menschlichen Erfahrungen und Erinnerungen. Ich untersuche, wie sich Orte, Begegnungen und der Lauf der Zeit in Farbe, Textur und räumliche Beziehungen verwandeln und in abstrakte Bildwelten übergehen. Mein künstlerisches Denken und meine Praxis gründen auf einer jahrzehntelangen interdisziplinären Tätigkeit in Architektur und Industriedesign. Malerei entfaltet sich für mich als Prozess – Schicht für Schicht – durch Experimentieren und einen kontinuierlichen Dialog zwischen konzeptueller Struktur, Intuition und Entdeckung.

Max Bill

Schon früh faszinierten mich Farbe, Architektur und die abstrakte Bildsprache der Schweizer Künstlergruppe, die als Zürcher Konkrete bekannt wurde. Diese Bewegung prägte die Schweizer Moderne und beeinflusste Kunst, Grafikdesign, Typografie, Architektur und Industriedesign. Max Bill war ihr bedeutendster Vertreter, und seine farbintensiven Gemälde übten eine starke Anziehungskraft auf mich aus.

Nachdem ich Max Bill einige meiner künstlerischen Konzepte vorgestellt hatte und sich daraus ein intensives Gespräch entwickelte, stellte er mich ein. Die Arbeit in Bills Atelier wurde zu einer der prägendsten Erfahrungen meiner künstlerischen Entwicklung. Der tägliche Kontakt mit Bills Kunst vertiefte mein Gespür für den Umgang mit Farbe, verstärkte jedoch zugleich meinen Wunsch, eine persönliche und intuitive künstlerische Ausdrucksweise zu entwickeln. Ausserhalb des Ateliers experimentierte ich selbstständig weiter und suchte nach einer intuitiveren visuellen Sprache. In Bills umfangreicher Bibliothek entdeckte ich das Industriedesign.

Malerei als Forschung

Die Malerei ermöglicht es mir, Fragen zu untersuchen, die Architektur und Design allein nicht beantworten können. Während Architektur nach Struktur strebt und Design häufig auf Funktion ausgerichtet ist, eröffnet die Malerei einen Raum, in dem Intuition, Mehrdeutigkeit und Vorstellungskraft nebeneinander bestehen können.

Meine Arbeiten stellen Orte oder Ereignisse nicht im wörtlichen Sinn dar. Vielmehr untersuchen sie, wie Erfahrungen zu inneren Landschaften werden – fragmentiert, geschichtet und durch die Zeit fortwährend neu geformt. Architektur bleibt in meinem Werk durch das grundlegende Interesse an räumlichen Beziehungen, Gleichgewicht und Struktur präsent, während das Industriedesign eine systemische Denkweise einbringt. Die Intuition durchbricht jedoch bewusst die Logik beider Disziplinen. Der Dialog zwischen Kontrolle und Spontaneität ist zu einem zentralen Bestandteil meiner künstlerischen Praxis geworden.

Prozess

Vorwiegend in der Abstraktion arbeitend, entwickle ich Oberflächen, die sich durch aufeinanderfolgende Schichten von Farbe, Textur und gestischer Bewegung verändern. Elemente werden wiederholt hinzugefügt, überdeckt, modifiziert und teilweise erneut freigelegt. Dieser Prozess spiegelt die Funktionsweise der Erinnerung wider – nicht als festes Archiv, sondern als lebendige, sich verändernde Konstruktion. Jedes Gemälde bewahrt Spuren von Entscheidungen, Überarbeitungen und früheren Zuständen. Dadurch wird die Zeit selbst zu einem aktiven Material innerhalb des Werkes. Farbe ist in meinen Arbeiten niemals lediglich beschreibend. Sie wirkt als emotionale und räumliche Kraft, formt Atmosphäre, Spannung und Resonanz und führt die Betrachtenden durch vielschichtige Wahrnehmungsfelder.

Ettore Sottsass

Meine spätere Zusammenarbeit mit Ettore Sottsass erweiterte diese Perspektive grundlegend. Er stellte die modernistische Trennung zwischen angewandter und freier Kunst infrage und ermutigte mich, über rein rationale Prozesse hinauszugehen. Unsere Gespräche vermittelten mir, dass sich kreative Praxis weit über Objekte, Architektur oder Design hinaus erstreckt und ebenso Kultur, Geschichte, Beziehungen und Gesellschaft einbezieht. Sein Beharren auf emotionalem Ausdruck bestärkte mich darin, etablierte Methoden zu hinterfragen und Unsicherheit, Widerspruch und kulturelle Unterschiede in meine Arbeit einfliessen zu lassen. Neugier bleibt die treibende Kraft meiner künstlerischen Praxis. Jede neue Disziplin, jede Kultur und jede Begegnung haben mein Verständnis von Wahrnehmung, Kreativität und menschlicher Existenz erweitert. Die Malerei ist zu dem Ort geworden, an dem diese vielfältigen Erfahrungen zusammenfinden.

Inspirationsquellen

Die Beobachtung bleibt eine wesentliche Quelle meiner Arbeit. Bei Spaziergängen durch Wälder, Weinberge, Hügellandschaften, Berge, Städte und Vorstadtquartiere sammle ich visuelle und emotionale Eindrücke, nicht jedoch konkrete Motive. Veränderungen des Lichts, verwitterte Oberflächen, räumliche Rhythmen, geologische Formationen und Spuren menschlicher Eingriffe werden Teil eines sich fortwährend entwickelnden visuellen Gedächtnisses. Im Atelier verwandeln sich diese Beobachtungen in Farben, Texturen, Fragmente und räumliche Beziehungen, die zwischen Landschaft, Erinnerung und Vorstellungskraft schweben.

Wiederkehrende Themen

Die verschiedenen Werkserien sind keine voneinander isolierten Projekte, sondern miteinander verbundene Untersuchungen wiederkehrender Themen. Die Serie Traces reflektiert die physischen und emotionalen Spuren, die menschliche Präsenz hinterlässt. Recollection, Reminiscence und Evanescence untersuchen die Fragilität der Erinnerung und die Vergänglichkeit von Erfahrung. Regeneration befasst sich mit Erneuerung nach Brüchen und Störungen, während Urban Journey, Perspective und Trajectory Bewegungen durch physische ebenso wie psychologische Räume erforschen. Obwohl jede Serie eine eigene visuelle Sprache entwickelt, setzen sich alle mit der fortwährenden Veränderung von Individuen, Gesellschaften und Landschaften auseinander.

Lehre

Mehr als zwei Jahrzehnte Lehrtätigkeit wurden ebenfalls zu einem Bestandteil meiner künstlerischen Forschung. Studierende unterschiedlichen Alters dazu anzuregen, genau zu beobachten, kritisch zu denken und Unsicherheit auszuhalten, erforderte zugleich, meine eigenen Annahmen immer wieder zu hinterfragen. Der Unterricht wurde zu einem Labor für das Verständnis von Wahrnehmung, menschlichen Beziehungen und der Art und Weise, wie Individuen Bedeutung konstruieren. Diese Begegnungen flossen in Serien wie Rencontres, In Motion, Evanescence, Reminiscence und Regeneration ein.

Nachhaltigkeit und gesellschaftlicher Wandel

Meine Auseinandersetzung mit Nachhaltigkeit und gesellschaftlichem Wandel hat mein Verständnis von Malerei über rein ästhetische Fragestellungen hinaus erweitert. Die ökologischen und sozialen Transformationen, welche die heutige Gesellschaft prägen, fließen zunehmend in meine Arbeit ein – nicht in Form von Illustration oder Aktivismus, sondern durch die Reflexion über miteinander verbundene Systeme, Widerstandsfähigkeit und Veränderung. Die Gemälde versuchen, Beziehungen sichtbar zu machen, anstatt Antworten vorzugeben.

Die Betrachtenden

Ich beabsichtige nicht, mit meinen Gemälden eine einzige, festgelegte Erzählung zu vermitteln. Ihre mehrdeutigen Räume laden die Betrachtenden dazu ein, ihnen mit den eigenen Erinnerungen, Assoziationen und emotionalen Erfahrungen zu begegnen. Was einer Person als Landschaft aus der Vogelperspektive, urbanes Fragment oder Wettersystem erscheinen mag, kann für eine andere zu einem psychologischen Territorium werden. Bedeutung entsteht in der Begegnung zwischen Gemälde und Betrachtenden – dort, wo individuelle Erinnerungen auf gemeinsam geteilte menschliche Erfahrungen treffen.